Il 1901 è l’anno in cui il colore blu si impone nei ritratti e nelle opere di Picasso, come avviene in questo Autoritratto. E’ un olio su tela attualmente esposto a Parigi, presso il Musée National Picasso.

Venne eseguito dal suo autore durante il suo secondo soggiorno parigino.
L’artista viveva un periodo difficile anche dal punto di vista economico: il suo autoritratto del 1901, infatti, appare malinconico, triste, pallido con un cappotto abbottonato fino al collo per proteggersi dal freddo.

Volutamente Picasso si ritrae come uno dei personaggi indigenti che dipinge in questo periodo di inizio secolo; il fatto curioso è che a differenza degli altri quadri qui il soggetto non è aiutato da nessuno, né ci sono strumenti del suo lavoro che possano alleviare la tristezza del dipinto.

Potrebbe essere un espediente per mostrare la sua filosofia secondo cui la vita fosse dolore e che la sua radice stessa fosse sofferenza.

“Spesso penso che la notte sia più viva e più riccamente colorata del giorno”: con queste parole, Van Gogh annuncia in una lettera al fratello il compimento di una nuova opera, divenuta uno dei suoi capolavori.

La Notte stellata di Van Gogh trova origine in un preciso contesto storico, ossia il ricovero in clinica nel maggio del 1889. La piccola città dipinta è Saint-Rémy-de-Provence, al sud della Francia.

In seguito alla rottura nel dicembre 1888 del rapporto con l’amico Gauguin – atto scatenante il celeberrimo mutilamento dell’orecchio sinistro – il pittore vive uno dei suoi periodi più oscuri e accetta l’internamento.

Le emozioni contrastanti di Van Gogh emergono con forza nella Notte stellata, così come forti sono le pennellate che lo compongono.

Sogno e realtà si nutrono l’uno dell’altro in un rapporto simbiotico le cui componenti spesso sono inscindibili ed egualmente necessarie.

Angoscia, disperazione e smarrimento sono alcuni dei sentimenti negativi ad aver condizionato la vita di Edvard Munch, scandita dalla pittura e dal malessere che tentava di esorcizzare tramite essa.

L’urlo è la somma di tutti questi sentimenti che travalicano il singolo e diventano collettivi: non riguarda, infatti, soltanto Munch ma abbraccia un soggetto molto più grande, ossia l’intera umanità.

La figura al centro – deformata e spettrale – diventa un simulacro dell’essere umano simboleggiato in tutta la sua fragilità e decadenza, come spesso accadeva in virtù del diffuso pessimismo nel movimento “Fin de siècle” che accomunava molte personalità dalla spiccata sensibilità artistica e culturale.

L’urlo emesso dalla figura al centro racchiude quindi tutto il male di vivere che accomuna le persone di ogni luogo e dal quale Munch si sente particolarmente afflitto.

Inoltre, vi è un netto distaccamento tra due gruppi di figure.
Il primo al centro raccoglie il soggetto e il paesaggio circostante, preda di questo urlo disumano e tutti gli oscuri sentimenti che racchiude. L’Uomo e la Natura quindi corrono sugli stessi sconfortanti binari. Le due figure sullo sfondo, invece, non vengono afflitte da quanto sta accadendo e sembrano addirittura dirigersi al di fuori della cornice e, per esteso, del momento.
L’indifferenza delle persone e l’estrema solitudine dei singoli vengono comunicati allo spettatore con un impatto dirompente e inevitabile.